Un chœur, plusieurs niveaux : faire progresser tout le monde en même temps

Dans un chœur de niveau hétérogène, on ne cherche pas un niveau moyen, on organise les différences. La répartition des rôles dans chaque pupitre, le placement des chanteurs, l'écriture ou l'arrangement des lignes et la structure des répétitions permettent de faire progresser en même temps le débutant et le choriste chevronné. Un chœur hétérogène n'est pas un problème à corriger, c'est la situation normale de la plupart des ensembles amateurs.

C'est le cinquième et dernier article du dossier sur le bon niveau en chœur. Après avoir décrit un chœur, lu une partition, construit un programme et écouté les choristes, il reste le cas qui rend tout cela si compliqué dans la réalité.

L'hétérogénéité est la norme

Quand on parle du niveau d'un chœur, on raisonne souvent comme si le groupe avait un niveau unique. L'échelle présentée au début de ce dossier le fait aussi, par nécessité : elle décrit un ensemble. Mais dans la plupart des chœurs amateurs, le pupitre des altos réunit une ancienne élève de conservatoire, une choriste qui chante d'oreille depuis vingt ans et un nouveau venu arrivé en septembre.

Viser la moyenne ne sert personne. Le répertoire moyen ennuie les plus avancés et dépasse les débutants. Ce qui fonctionne, c'est de faire en sorte que chacun trouve, dans la même pièce et la même répétition, le défi qui lui correspond.

Répartir les rôles à l'intérieur des pupitres

La première ressource, c'est la partition elle-même. Dans une pièce avec divisi, toutes les lignes ne se valent pas. Il y a souvent une ligne qui porte la mélodie ou les entrées délicates, et une autre qui tient, prolonge, soutient.

Confier la ligne exposée aux chanteurs les plus solides et la ligne tenue aux plus récents n'a rien de dévalorisant. C'est exactement le principe qu'on admirait chez Whitacre dans le deuxième article du dossier : un accord riche peut naître de lignes simples, et une ligne simple bien chantée est une contribution entière au son du groupe. Le débutant chante juste et en confiance, le choriste avancé assume un vrai défi, et l'accord sonne.

Cette répartition peut évoluer pendant la saison. Un choriste qui tenait la ligne simple en septembre peut passer sur l'autre en mars. C'est même l'un des moyens les plus concrets de rendre la progression visible.

Placer les chanteurs pour qu'ils s'aident

La deuxième ressource, c'est l'espace. Un choriste qui débute à côté d'un choriste solide apprend en chantant. Il entend sa ligne, il respire avec quelqu'un qui sait où il va, il se rattrape quand il décroche. Regrouper au contraire tous les débutants au même endroit crée une zone fragile où personne ne peut s'appuyer sur personne.

Ce placement a un effet secondaire précieux : il donne aux choristes avancés un rôle. Celui qui se sentait trop à l'aise découvre qu'il porte quelqu'un, et que cette responsabilité exige une précision qu'il n'avait pas besoin d'avoir avant. Des entrées nettes, une justesse stable, une respiration lisible. Le défi n'est plus dans la partition, il est dans la relation.

Adapter l'écriture

La troisième ressource, c'est l'écriture, et c'est celle que je connais le mieux puisque j'arrange et compose pour des chœurs.

Une ligne peut exister en deux versions : l'originale pour ceux qui la tiennent, une version simplifiée pour les autres, qui garde les notes essentielles de l'harmonie sans les sauts difficiles. Les éditions anciennes connaissaient bien ce principe sous le nom d'ossia, une variante proposée au-dessus ou au-dessous de la portée. Rien n'empêche de s'en servir aujourd'hui.

On peut aussi redistribuer un passage trop tortueux entre plusieurs chanteurs, doubler une ligne fragile par une voix plus sûre, ou écrire une partie supplémentaire très simple, une note tenue, un bourdon, qui permet aux plus récents de participer pleinement à une pièce qui les dépasserait autrement. Ces adaptations ne trahissent pas la musique. Elles permettent à plus de gens de la chanter vraiment.

Organiser la répétition en plusieurs vitesses

La quatrième ressource, c'est le temps de répétition lui-même.

Une répétition entièrement en tutti avance au rythme du plus lent, et les plus rapides décrochent. Une répétition qui alterne tutti et travail par pupitre, ou en petits groupes, permet d'avancer à des vitesses différentes au même moment. Pendant qu'un groupe consolide les notes avec un responsable de pupitre ou au piano, l'autre peut travailler le son, la nuance, la justesse fine sur un passage déjà acquis.

Les outils de travail personnel jouent le même rôle entre les répétitions. Des fichiers d'écoute par pupitre, des enregistrements de la ligne seule, des repères notés sur la partition permettent aux plus récents de rattraper leur retard chez eux, sans ralentir tout le monde en répétition. Ce temps-là n'est pas un supplément, il fait partie du dispositif.

Le parrainage entre choristes

Il y a enfin une ressource humaine qu'on sous-estime : les choristes eux-mêmes.

Associer un nouveau venu à un choriste expérimenté de son pupitre, pour les premiers mois, règle beaucoup de choses qu'aucune organisation ne règle. Les questions qu'on n'ose pas poser en répétition, les repères pratiques, les fichiers à télécharger, le passage qui coince et qu'on peut fredonner ensemble à la pause. Le parrain y gagne aussi : expliquer une ligne oblige à la comprendre mieux qu'on ne la comprenait.

Ce lien a un autre effet, plus profond. Il évite qu'un chœur hétérogène devienne un chœur à deux vitesses, avec d'un côté ceux qui savent et de l'autre ceux qui suivent. Un chœur où les plus avancés aident les plus récents n'est pas un chœur divisé par le niveau, c'est un chœur où le niveau circule.

Ce que ce dossier voulait dire

Je suis parti d'une question que je pose depuis des années, comment évaluer le niveau d'un chœur, et de trois réponses qui revenaient toujours : regarder les partitions, faire confiance à l'expérience, trouver le défi qui garde l'envie.

Au bout de ces cinq articles, je crois que les trois réponses avaient raison, et qu'il leur manquait surtout des mots. Décrire un chœur avec une échelle comme celle de Zana Zaganjori, du A1 au C2. Lire une partition en suivant ses lignes plutôt qu'en comptant ses voix. Construire un programme qui mélange sécurité et croissance. Écouter ce que vivent les choristes, des deux côtés. Et organiser les différences plutôt que viser une moyenne.

Le bon niveau n'est pas un point fixe qu'on trouve une fois pour toutes. C'est un ajustement permanent entre un groupe, une musique et le moment de la saison. L'expérience dont parlaient mes collègues, c'est probablement ça : avoir fait cet ajustement assez souvent pour le faire sans y penser. J'espère que ce dossier vous permettra de le faire en y pensant, ce qui est une très bonne manière de commencer.

Pour finir, une question à laquelle je n'ai pas de réponse et qui m'intéresse : dans votre chœur, qu'est-ce qui a le mieux fonctionné pour faire chanter ensemble des gens de niveaux très différents ? Racontez-moi en commentaire.